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    WALSER/COMELLAS

     
    Fins ara, Anna Comellas sempre s'havia fixat en la naturalesa i les seves variants, ara ho segueix fent, però des dels textos d'un escriptor inclassificable com és Robert Walser. Tots sabem que la mirada és la manera que l'art té d'acostar-se a un bosc, a uns núvols, al vent i les pedres, a una nit estrellada, a un paisatge, a una mar, a la neu en una muntanya que són els 7 apunts Walser sobre els quals s'ha construït aquesta exposició. En aquesta ocasió, Anna Comellas, afegeix, com un desafiament personal, un text literari i el pren com a referència per a la seva pintura. Una de les principals propostes de Walser /Comellas és que el text només es pot comprendre a través de la visió. En aquesta exposició, la paraula es converteix en pintura, la pintura en text i exigeix ​​a l'espectador un doble desafiament: comprendre i veure alhora. Per a això distribueix en set parts uns fragments que li serveixen com a tema d'inici i que configuren els espais de l'exposició que dóna com a resultat 7 apunts d'Anna Comellas sobre Robert Walser.
     
    1. El primer apunt de Walser /Comellas. Fins ara, Comellas sempre s'havia fixat en la naturalesa i les seves variants, ho segueix fent però amb la intermediació d'aquest magnífic i excèntric escriptor, no només fa un bon treball pictòric utilitzant diversitat de tècniques de laboriosa factura, noves i antigues. També l'ús del paper carbó fa de l'escriptura un tot confús, il·legible dirigit a la sensació òptica, el que anomena palimpsests, són superposicions que també li serveixen per col·locar uns papers sobre uns altres. A més, contra puntua a Walser amb els seus propis textos demostrant que la lectura intel·ligent es basa també en la mirada.
     
    2. Això, no vol dir que en aquestes obres, no apareguin boscos o núvols. L'escriptura diminuta de Walser, gairebé il·legible permet imaginar el sentit del text, la seva interpretació visual és semblant a la que un observador té d'una pintura. La mateixa Comellas expressa en un magnífic text que aquesta estratègia visual ens indica la importància dels petits detalls enfront de les grans coses de la vida. El sentit es presenta de sobte en un detall. És una cosa similar al que mira una obra d'art, s'acosta s'allunya, mira en conjunt, s'observa un plec del paper o una taca o un gest d'una obra en què s'intueixen núvols, el vent o l'evaporació.
     
    3. En aquest punt tot pesa com les pedres. La col·locació de les pedres exigeix ​​repetició, es col·loquen unes sobre les altres. El misteri és: com una en col·locar-la contra una altra la fa desaparèixer?
    Una altra qüestió que m'interessa molt és que una pedra sempre esmenta l'origen, un remot passat del qual procedeix, és el misteri de les pedres que es troba en el naixement de tot el que som, diu Walser: "considero la pedra més vella que l'aigua i està, al seu torn, el bressol del temps ... els meus passos em van portar davant diversos edificis en els quals el seu material de construcció em va traslladar a les muntanyes de les que procedia".
     
    4. L'escriptura de Walser, no narra, és críptica com un poema. Expressions com "les floretes de les quals parlava no podien moure’s com jo, estaven obligades a romandre on creixien". Les paraules simples es converteixen en poemes críptics. Ningú va veure mai una flor caminar. Abundar en aquests misteris, és condició inevitable de la pintura. Igual que en el text poètic de Walser, Comellas utilitza materials concrets, amb pes i matèria per crear metàfores fosques i tancades com passadissos cap a la fosca, per exemple en la peça "Aquell llarg fill vermell" amb tècniques complexes com en la majoria de les obres: acrílic, xilografia i impressió de pigments sobre paper japonès Kozo.
     
    5. Escriu Walser: "Es va desplegar davant meu una plana, vaig contemplar la panoràmica, vaig intentar valorar, estimar l'efecte íntim d'un paisatge matinal o vespertí" ... Sembla que el paisatge necessita un format, sempre es diu que aquesta és la manera de recollir una panoràmica. La mateixa Anna Comellas ho reconeix utilitzant formats de llibres oberts amb les fulles intervingudes, siguin en horitzontal com en vertical. En aquest cas hi ha una superposició de nombrosos fulls de paper. Unes cobreixen a les altres, com una acumulació en el qual una imatge no esborra l'anterior, sinó que la superposa i la conserva.
     
    6. "El paisatge dels filòsofs" és una obra fosca i misteriosa, sembla una excepció en la voluntat d'anar relacionant el text de Walser amb la natura. En aquest punt Comellas insisteix que la seva intenció no és d'il·lustrar el text de Walser i ho confirma apujant el to de les obres a un nivell més abstracte. El propicia una referència a uns sepulcres trobats a l'atzar per un passejant que no va caminant en línia recta, sinó fent una volta.
     
    7. En aquest apunt l'inici del text de Walser sembla un desig de l'escriptor que Comellas converteix en el títol d'una de les seves obres. "Desitjo que aquest paisatge nevat em quedi bonic". Aquesta bellesa poètica, esmenta el moment tràgic de la mort de Walser a la neu que no obstant això més enllà del dramatisme, Anna Comellas el converteix en un punt final poètic. El blanc de la neu, el vermell d'una habitació i el negre del dol esdevenen un conjunt tricolor que serveix d'emblema d'aquest apunt final.
    Cap metàfora millor que aquesta per esmentar la superposició d'una capa sobre una altra, les petjades a la neu, els rastres que semblen definitius es cobreixen pels flocs i al·ludeixen a la memòria, de la seva fragilitat, a les empremtes que tot i la força de la trepitjada, finalment desapareixen.
     
    Jesús Martínez Clarà.
    Crític d'Art.
    ACCA / AICA



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    DIE ROTE LINIE


    Die Galerie Keller zeigt neue Arbeiten der katalanischen Künstlerin Anna Comellas. 
    Die Wandobjekte der Spanierin bestechen durch ihren Materialmix: Graphische Techniken kombiniert sie mit Metall, Farbe, Fotografie und Holz, übereinander geschichtet bildet das Japanpapier die finale transparente Schicht. 
    Das Holz, ein natürliches Material, verwandelt sich durch dessen Schnitt und Maserung in ein Bild des Meeres. Es gibt zwei Schlüsselelemente: Zweidimensionalität durch Malerei und Fotografie, Dreidimensionalität durch Metall, Steine und Holz. Das erlaubt ihr auch aus zwei ästhetischen Elementen zu schöpfen: Der Eindruck von Gewicht, von Schwere durch streng geometrische Strukturen und der Eindruck von Leichtigkeit, durch Bilder, die den Betrachter eine poetische Welt andeuten.
    Die Lektüre ist Inspirationsquelle für die neue Serie von zwölf Werken. Das Buch an sich wird zusätzlich in seiner formalen Ausprägung aufgegriffen. Die abstrakten Wandarbeiten öffnen dem Betrachter den Blick in eine andere Welt, vergleichbar der Vorstellung, die im Kopf des Lesers entstehen kann.
    Wirklichkeit, Wunsch, Vision – beim Betrachten der Arbeiten Anna Comellas verschwimmen die Welten.

    Ursula Keller, Galeriste. 2015



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    SOBRE LA NATURA L'ARTIFICI


    Quant la gent s'acosta a la naturalesa tot són misteris divins.
    I el millor de tot ... El gran silenci.
     
    Fragment del text d'Anna Comellas a la seva exposició. Des de la foscor del somni (2011)
     
    L'última exposició d'Anna Comellas revela a través de les seves obres i del seu títol: "Naturalesa i Artifici", un autèntic programa, un manifest del treball que ha dut a terme amb gran coherència en els últims anys i que segueixo amb gran interès.
     
    És un manifest perquè, apel·lant a la dualitat, a la confrontació entre natura i artifici, es revelen algunes de les constants de la seva obra que a continuació intentaré ordenar a partir de l'anàlisi del títol d'aquesta exposició i que és extensible a tot el seu projecte artístic .
     
    La primera dualitat, apareix a partir de la gran coherència del seu procés de treball. Em refereixo a l'ús de la mixtura de mitjans en tota la seva obra: les fustes trobades a l'atzar estellades i tosques al costat d'imatges manipulades per ordinador. Les tècniques convencionals com la pintura acrílica, la xilografia o el gravat dialoguen amb l'alta experimentació, amb la imatge digital sobre planxa de metacrilat o sobre paper artesanal japonès (kozo). Els materials lleugers s'alternen amb els més pesats com el plom.
     
    La segona dualitat implica al color que és la matèria primera de la pintura. Les gammes més denses dels colors foscos dialoguen amb els tons més vibrants i diàfans que es puguin trobar a la natura. El blau del mar, el vermell del foc a "Mar Cremat" o el verd naturalesa, els grisos i negres de "Negra, Negra i Buida". La utilització de capes, sigui per acumulació de pigments o per superposició de sediments creen la sensació que l'obra mostra però també amaga. "Blau i buit" és un dels seus lemes d'una obra anterior.
     
    La tercera apareix quan l'artista aconsegueix un extraordinari equilibri entre imatge i abstracció. Per a això, utilitza el llenguatge i la imatge que moltes vegades mantenen una relació contradictòria entre llegir i veure. ... .Julien Gracq, Hugo, Conrad, Lawrence, Buchner o Shmeliov. En els escriptors habita la reflexió i la raó del llenguatge, en la imatge apareix la més alta abstracció visual. Perquè com la mateixa artista afirma: "veure és paradoxal"
     
    El quart element és el diàleg entre els límits es troba a la mateixa constitució de les seves obres. En elles hi sol haver dues parts clarament diferenciades separades, bé per un límit clar com a "L'AIGUA desplega verd" o  la sèrie de 12 quadres en format llibre que a manera de pàgines ressalten el plec intermedi que actua de límit, com en "Mar Cremat" o "El refugi del somni" .Aquests plecs, fissures o límits creen volums i accentuen la frontera entre les dues i les tres dimensions, entre la pintura i l'escultura. A aquesta manera de treballar ha incorporat el format tríptic en la seva sèrie d’ "ombres de mar, de sofre d'Aigua". El tríptic és per definició una espècie de síntesi o superació de les dualitats, alhora que un nou format útil per mostrar i amagar.
     
    La cinquena argumentació d'aquesta estratègia de dualitats, implica els títols de les seves anteriors exposicions, un d'ells, al·ludeix a la "schattenlinie" que és el títol d'una de les seves mostres a Alemanya (2008), la fina línia d'ombra entre el clar i la foscor, entre la llum i l'ombra.
     
    En l'obra d'Anna Comellas apareixen les paradoxes com a estratègia de coneixement "Mar segat" com si es tractés del camp ... "Olor de neu" que són gairebé oximorons inclosa la imatge d'un mar quadrat que s'endevina en la seva proposta de "Tancar el mar ". En els títols de les seves anteriors exposicions també apareixen, com les imatges que sorgeixen del somni com: "Des de la foscor del somni", o de l'al·lusió a la mort: "Qui-dort-meurt" Tancar el mar "i per descomptat a "Naturalesa i Artifici".
     
    L'última consideració sobre el territori de dualitats en l'obra d'Ana Comellas es troba en un aspecte dels més desafiadors que es pot plantejar en matèria creativa, em refereixo a la possible conciliació d'un gran rigor conceptual amb les qualitats estètiques pròpies de l'art. Els solcs que separen parts es troben en tota la seva obra, indiquen la dualitat de les dues ribes, les parts confrontades i necessàries dels marges dels rius, però també la recerca incessant de l'harmonia dels contraris.
     
    Jesús Martínez Clarà.
     
    De la Associaciò Catalana de Critics d'Art i
    membre d'International Association Internacional of Art Critics.
     
    Barcelona, novembre 2014



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    INCERTUM


    ​1. L´any 1.100 només  vint-i-nou anys abans de la construcció d´aquest priorat va viure a la Xina. Mi Fu, un mestre de l'art de la cal·ligrafia. Un dia es va vestir amb les millors robes de cerimònia i davant de tothom va anomenar un roc que hi era al jardí de casa seva com a “Germà Gran” i diuen que el va abraçar. Mi Fu ens va ensenyar amb aquest gest a sentir-nos com si tots fóssim una mica de la mateixa naturalesa que les pedres.

     
    2. La força de les pedres a Marcevol, la seva presència lítica, ferma i fundadora han generat un paisatge singular a on l'arquitectura sagrada de l'església conviu amb les modestes construccions dels orris dels pastors.  
     
    3. Per aquests indrets les pedres son arreu des de fa segles Sébastien Le Prestre de Vauban va transformar aquesta part tan bella dels Pirineus Orientals, en la regió més protegida i fortificada de França. Aquí, la idea de seguretat i resistència ha adquirit, amb el temps, la imatge d'una bellesa abrupta i fascinant, provocada pel diàleg sublim entre la construcció arquitectònica i la magnitud enlairada dels cims de les muntanyes.
     
    4. A les obres d'Anna Comellas i Maria Lucas que veiem aquí, és posar en relleu, un contrast entre dues coses: per una banda la incertesa (INCERTUM) del desig que es vol representar de forma intensa i viva que és lleuger com el paper o la imatge, que és fugisser com el somni.
     
    5. Per l´altre, el contrast amb la veritable realitat feta de decisions concretes, de voluntats construïdes amb la solidesa de les pedres i la intel·ligencia de l´arquitectura i els constructors de Marcevol.
     
    6. Aquesta exposició reforça la dualitat i vol crear un espai dual entre el dins i el fora. L´espai al qual ens trobem, era l´espai del sagrat. Fora la tenebra, dins la llum.
     
    7. La mirada és plena de paradoxes. Només allò que contemplem pren realitat. És com un joc de màgia. La realitat desapareix i es fa present l´art, En aquest cas les pedres de l'orri dels pastors o els murs de l'església són substituïts per aquestes obres. On és la veritat?
     
    8. “Qui-Dort-Meurt” d'Anna Comellas ens recorda que la vida i la natura discorre a l’exterior de l´orri i aquest contrast entre l’interior i l’exterior que l'enlluerna és per ella, una metàfora del somni, la imaginació i l’escapada, en contraposició a la vida real. Això ha generat una pintura de gran format on les imatges a la foscor siguin difícilment distingibles.
     
    9. Maria Lucas a “El somni de les pedres” ha donat al paper japonès una funció similar... El paper japonès conté també aquesta condició d'esser tan fràgil com els somnis i tan dúctil que es pot tallar amb aigua, però alhora les fibres interiors permeten la solidificació dels materials més resistents. 
     
    10. Les pedres lluminoses i fermes de l'exterior han estat portades cap a l'interior, col·locades a l'absis de l´església es tornen un somni sacralitzat, perden solidesa i es fan evanescents, mòbils i lleugeres.
         
    11. Aquestes obres ens recorden que els castells, les catedrals, o les modestes cabanes de pastor saben que encara que proclamin la seva resistència de pedra i la seva fortalesa, no son mes que fum en el temps.
     
     
    Jesús Martínez Clarà.



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    DIE SCHATTENLINIE

    ​Denn was tut Comellas eigentlich? (Um mit den Werken, die wie Gemälde an der Wand hängen zu beginnen) Was tut sie? 
    Sie baut sich zunächst einen Keilrahmen, eine Holzunterkonstruktion, einen Plexiglasgrund, in jedem Fall einen individuell geformten Körper. Und ein Körper ist es, nicht nur ein Bildträger, wie man so schön sagt, ein bloßer Diener. Das geht soweit, dass Comellas sich von einem Kollegen der Buchbinderei an der Kunsthochschule, an der sie unterrichtet, in dessen Handwerk unterweisen lässt und Farbbücher bindet, die an die Wand gehängt, zum Objekt der Betrachtung werden.
    Nachdem der Rahmen bespannt ist, das Buch gebunden, beginnt die Arbeit in der Fläche oder besser: in den Flächen. Da ist ein dahinter, darüber, davor – ein Schichten von Materialien und Farben. 
    Von großer Affinität für Japan, ein Land das Comellas bereiste, zeugt die Verwendung von dünnem, so genannten „Japan“papier, das in seiner Transparenz Sediment für Sediment aufs Bild trägt bis ein Kosmos entsteht, der an die ersten Tage der Genesis erinnert. Wir sehen Wasser und Land, Wolken und Sterne. 
    Erst seit wenigen Jahren verwendet die Künstlerin Fotografien, die sie in ihrer Werkstatt drucktechnisch zubereitet, bis das matte Motiv als Struktur ins Bild eingeht. Erzählerisch ausschweifend wird sie dabei nie. 
    Die Farben, die Comellas aufträgt, könnten elementarer nicht sein: wir sehen blau, rot oder grün, also Farben, die ohne kulturelle Überformung, ganz unmittelbar   Vorstellungen von Wasser, Himmel, Feuer, Wärme, Vegetation in uns wach rufen. Bestätigt wird die Vorstellung noch von der Art des Farbauftrags: manchmal ergießt sich die Farbe wie jener Regenschauer, den das Bild „Plötzlicher Regen auf Atake“ zitiert, oder sie wuchert wie Moos, lodert wie Feuer. Die poetischen Bildtitel, teils einem Roman entnommen, akzentuieren jeweils diese Spannung aus realer Materie, also: Farbe, Papier, Leinwand - und insinuierter Materie, wie in Fotografien von Wasser oder Stein. 
     
    Comellas gelingt es Abbild und Abstraktion in rätselhafter Waage zu halten. Ihre Arbeiten sind vielschichtig. Sie offenbaren sich im Umhergehen, im in-die-Hocke-gehen, im verstohlenen Nähertreten und auch mal Abstand halten.   
     
    Miriam Halwani


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    A LA RECHERCHE


    ​A la recherche – propuestas estéticas y conceptuales de Anna Comellas. 
     
    1. Introducción
    Anna Comellas nació en 1961 en Barcelona. Al acabar sus estudios empezó a estudiar Bellas Artes en la Universitat de Barcelona y se especializó en grabado. Sobre su especialización dice que quizás tuviera que ver por parte con el deseo de que le enseñasen algo más técnico, de tener una determinada base técnica para desarrollar sus propuestas estéticas y conceptuales. Luego se especializó en litografía y ahora esta trabajando como profesora de litografía en la Escola Llotja/Barcelona. Hizo el doctorado en Bellas Artes; la idea era hacer a la vez un estudio teórico e investigativo y trabajar en su obra. La tesis que hizo fue sobre las tridimensiones en el mundo del grabado. Estudió la tridimensionalidad del grabado en el material, trasmitida al relieve del papel del grabado. A partir de ahí, Anna Comellas ha ido evolucionando estéticamente y conceptualmente pero siempre hay en la obra presente una parte tridimensional, diferentes planos de visión, aunque fundamentalmente la parte visual es bidimensional. Una de sus propuestas estéticas es esta tridimensionalidad física de su obra que está construida por el juego entre la mezcla de pintura, escultura, grabado y litografía y por la búsqueda de la parte tridimensional en los medios diferentes. Esta tridimensionalidad no trata de la construcción de profundidad ilusoria dentro de la representación bidimensional, sino de la tridimensionalidad física en una obra no únicamente escultórica. Según Anna Comellas el arte actual está determinado mucho por una forma de pesquisa por la naturaleza de los diferentes medios del arte plástico y sus formas de combinación, comunicación e interacción. 
    El arte de Anna Comellas es máximamente a-ideológico, no quiere convencer ni hace ningún tipo de llamamiento al espectador. Para ella idealmente se establece una forma de comunicación entre su obra y el espectador.
     
    2. La imagen “poética”
    Preguntando a Anna Comellas cuáles son las cosas que les enseña a sus alumnos, dice que es sobre todo la parte técnica para que vayan ellos mismos desarrollando sus ideas artísticas o conceptuales. El trabajo del artista es encontrar y elaborar la idea encima de la base material y técnica. La articulación visual de una idea se elabora a través de un proceso de busca, de “investigación” entre las ideas del artista y la propia obra. Anna Comellas empieza cada obra buscando una idea, pensándola y planteándola a veces con dibujos preparatorios. En el proceso de elaboración muchas veces se va transformando la idea según el carácter de la obra. Se desarrolla su propio carácter reuniéndose, enfrentándose la idea principal con el “itinerario” propio de la obra. Anna Comellas nunca trabaja en varias piezas a la vez, siempre se concentra en una hasta que encuentre un “final”, una forma de “nacimiento” en la que la pieza consigue un tipo de independencia en su existencia particular. Muchas veces tiene una visión del espacio de exposición, trabaja pensando en el espacio. Hizo una exposición en la que en cada pieza se repetía una imagen y había un recorrido dentro de la galería en el sentido de que cada pieza llevaba a otra. Así ha encontrado una forma de hacer experimentar su idea de que las obras se relacionan entre ellas, comunican sus singularidades formando parte de un conjunto. 
    Las obras de Anna Comellas muchas veces tienen una forma casi espiritual de singularidad, como si no solo estuvieran creadas en un proceso creativo, sino como si ya hubieran tenido su propia existencia que se materializara en el trabajo de Anna Comellas. Una de sus propuestas muy propias es esta forma de captar en material una forma de existencia “no-material” sin que la materialización la manifestara o la cogiera este doble estado de existir y no existir. 
    Anna Comellas dice de si misma que es una lectora muy apasionada y que su obra plástica tiene mucha influencia de la literatura. Encuentra en las obras de un Italo Calvino o un Joseph Conrad la capacidad de articular mensajes sutiles. Esta sutilidad que encuentra en la literatura le ha sido ejemplo para su trabajo, la idea de encontrar la “voz” silenciosa, los matices dentro de lo fuerte. Dice que a veces hoy en día nos olvidamos un poco que hacemos mensajes demasiados evidentes. 
    La literatura siempre ha tenido una particular dificultad con sus signos. La palabra poética es una forma de filtración de las palabras que nos rodean cada día buscando lo singular y los matices. Pero hoy en día es cada vez más la imagen el signo que determina el discurso de la “realidad”, de la vida real con todos sus ámbitos. Entonces el arte plástico se encuentra en la misma dificultad: ¿cómo articular algo que todavía no sepan todos?, ¿cómo encontrar un mensaje que no sea lo que vemos cada día en las noticias?, ¿cómo encontrar la cualidad “poética” en la imagen? La obra de Anna Comellas muestra la búsqueda de lo poético en el sentido de lo sutil, de lo silencioso. Lo busca dentro de lo fuerte, busca una forma de “permeabilidad” y transparencia del mundo hacia los matices de su existencia. El primer paso siempre tiene que ser el “aislamiento” de la imagen, devolviéndola su existencia propia dentro de la producción masiva. Tanto en sus propuestas técnicas y materiales como en sus temas existe la búsqueda de lo que esté adentro, de esta forma de nivel profundo dentro de lo existente y de un valor añadido o más básico dentro de lo visible.
     
    3. Tridimensionalidad 
    La combinación de sus materiales y medios muestra el intento de encontrar la articulación más adecuada del carácter de una obra. Utiliza materiales muy variados pero siempre relacionado con el grabado. Sus obras combinan pintura, grabado, litografía y escultura. Muchas de sus obras son litografías y grabados sobre papel Arches, papel japonés o sobre fieltro montados sobre estructura de madera. Muchas veces trabaja con piedras litográficas incididas, con planchas de plomo impresas o planchas de hierro grabadas. En 2000 trabajaba mucho con litografía y grabado montado sobre cojines. Sus últimas obras integran también imágenes digitales trabajadas.  
    Tanto su uso del color como de formas geométricas es una forma de aproximación a la identidad, al carácter profundo. Trabaja mucho con colores muy básicos como el azul, el rojo y el verde utilizando últimamente también colores más suaves. Hay una obra (Els camins de Pelé) que “investiga” sobre la relación de una gran superficie azul y cuantro manchas pequeñas de diferentes amarillos en su borde. Las formas del cuadrado, del rectángulo y más tarde de lo circular, son muy corrientes en su obra. Muchas veces experimenta la relación entre la fortaleza/ lo estructural y su parte débil dentro de ella. Motivo corriente es el enfrentamiento entre una superficie fuerte y una líneas fina. Elemento importante de su proceso artístico es la elaboración de la forma correspondiente cambiando la forma hasta que encuentre la relación. 
    La trimensionalidad física en su forma más básica muestra la obra Mars, una pieza de acrílico sobre tela, litografía y papel japonés de 2003[1]. La parte central de la tela se abomba en forma circular como si alguien la extrajera. El abombamiento da a la pieza la tridimensionalidad física aunque la obra no está pensada especialmente para la vista polivalente. Anna Comellas transmite el aspecto tridimensional (una cualidad de la escultura) a la obra con efecto visual fundamentalmente bidimensional. 
    En las obras de 1996 hay otra forma de estudio de espacialidad. Introduce en sus obras a la vez espacios enterrados y desenterrados. Las piezas Nucli Interior IV, Somni Etern I, II y III exponen el proceso de enterrar en el y desenterrar el espacio. Desenterrada de la superficie espacial del cuadro aparece una capa más profunda cuya diferencialidad espacial está subrayada a través de un contraste fuerte de colores y a través de materiales distintos. Nucli Interior IV muestra una forma de galería que está enterrándose en la materialidad sacando un espacio interior. La obra no sólo tiene una tridimensionalidad física, sino acentúa fuertemente el fenómeno de espacialidad. Las tres piezas Somni Etern I, Somni Etern II, Somni Etern III muestran a la vez el proceso de enterrar/desenterrar (la galería) y el espacio descubierto a través de este proceso (el cuadrado en el centro). Las obras exponen la profundidad espacial del material y despejan lo interior a través de galerías enterradas en el material. 

    Otro aspecto de la tridimensionalidad física en las obras de Anna Comellas son formas de interrupciones físicas de espacios continuos subrayando las dos partes con cada interrupción, cada límite entre.... En Eclipsi la continuidad de la tela y la continuidad del color rojo está interrumpido por una plancha de hierro grabada. El límite entre los colores y los materiales subraya el volumen/la profundidad diferente de las partes construyendo una tensión entre lo físicamente tridimensional de la tela y la relativa planitud de la plancha cuya propia trimensionalidad está en el grabado. Chichen Itza juega con la tridimensionalidad física y la profundidad ilusoria: Una galería ancha seesconde en un cubo interrumpiendo la “ilusión” de su volumen físico. 

    En 2001 Anna Comellas hace un estudio sobre el tiempo (Temps Ciclic, Temps Linial 2) materializándolo a través de la espacialidad de las piezas. Las piezas medio torcidas sitúan la percepción subjetiva del tiempo en el espacio tridimensional añadiendo una forma de medidor (objetivo) en forma de una piedra litográfica incidida. La espacialidad de la obra da la posibilidad de percibir el tiempo dentro del espacio que contrasta el espacio medio redondo de la tela con material y forma de la piedra y destaca la idea de entrar en el espacio y percibir el tiempo mientras que la planitud del medidor no deja “entrar”.
     
     
    4. Superposiciones y palimpsesto
    Anna Comellas empezaba su obra con el tema del itinerario. Son dibujos básicos sobre el camino y/o trabajos que el espectador podía combinar en diferentes posiciones. Una de las ideas había sido que de lejos era algo más frío y de cerca se podía entrar más en el cuadro. La idea de una mezcla de rechazo y posibilidad de entrar queda en su obra posterior. Trabajando sobre el tema de superposiciones y palimpsesto, Anna Comellas estudia la relación entre las capas, los planos diferentes en la estratificación. Sobre todo en los trabajos Memoria, Palimpsesto, Medicions del Temps, Pissarra y Sediments Polifonics trabaja la idea de las capas que se superponen sobre la de abajo pero que la dejan un poco ver a la vez. Para Anna Comellas refleja una situación genuina cultural, la superposición de una cultura sobre otra, la idea de la absorbación, de la lucha y del acercamiento entre culturas. Anna Comellas se interesa por este fenómeno más genuino del mundo, mucho más que por acontecimientos actuales: “pienso más en una idea global, lo que no quiero es que las cosas sea demasiado evidentes, son más las cosas más genuinas del mundo.”[2] La idea de las capas, de la absorbación pero también de la transformación tiene importancia también con respecto a la obra artística que según Anna Comellas siempre absorbe lo pasado, añadiendo una nueva “capa” a la “estratificación artística”. 
    Memoria muestra sobre todo la superposición de colores distintos. La estratificación se realiza superponiendo colores cada vez más oscuros y cubriendos: en el plano más abajo están los colores más claros (un blanco transparente, un amarillo) hasta el plano superficial del negro. Gracias a lo “quebradizo” de los planos, la pieza tiene una transparencia hacia el plano más abajo. Palimpsesto estudia el mismo fenómeno a través de la superposición de capas de materialidad distinta. Sobre todo en la parte central se puede ver como se superponen diferentes capas semitransparentes que dejan traslucirse la capa de abajo. Los palimpsestos eran en la Antigüedad pergaminos o papiros reescritos. La escritura anterior fue limpiado o rascado para ser escrita nuevamente. Muchas veces quedaron restos de la escritura anterior que hoy en día pueden ser visualizadas técnicamente. Éstos facilitaban mucho encontrar textos y testimonios antiguos. El palimpsesto es el motivo más significativo de las superposiciones de culturas distintas y de la conservación de lo pasado y olvidado, o sea que a través del palimpsesto se puede estudiar una cierta “simultaneidad” de culturas y tiempos distintos. Anna Comellas utiliza el palimpsesto técnicamente en la superposición de planos materialmente diferentes y conceptualmente expresando la idea de una cultura continuamente escrita, borrada y reescrita. La idea de testimonios borrados se encuentra también en Pissarra: El acrílico está aplicado con el movimiento de borrar mientras que en las esquinas quedan visibles restos de una imagen digital, recordando al continuo proceso de borrar y conservar olvidando restos en los márgenes. Las dichas obras han trabajado la idea de las superposiciones a través de diferentes capas en la profundidad de la pieza. Sediments Polifonics muestra una forma de capas en sección transversal. Quizás se puede pensar en hojas conservadas entre diferentes capas de la estratificación pero también en una forma de violencia que aplasta de alguna manera una capa entre otras. Medicions del Temps muestra el tiempo como un tejido de líneas finas, una forma de red de coexistencias integrando lo anterior a través de líneas continuas. 
     
    5. Escape y espiritualidad 
    Una idea muy corriente en la obra de Anna Comellas es la idea de una forma de espiritualidad, de ilusión dentro de la vida, de la existencia como dice ella, de algo más. Ha encontrado una imagen “poética” para esta idea, una forma de ventana cuya función es el contrario de una ventana normal: es una ventana que no quiere presentar ninguna vista, una ventana que no presenta nada dentro de su marcación. Es una ventana que facilita una forma de escape ilusorio que actúa de espacio para entrar mentalmente cambiando la perspectiva y ver desde adentro. Sobre todo Els Camins de Pelé elaboran esta idea: hay una forma circular rodeando un cuadrado iniciado. Varias líneas dibujadas conducen al cuadrado (o se inician ahí). El cuadrado es colorado en diferentes azules oscuros. El color crea esta forma de movimiento por ejemplo de niebla o vapor que no tiene ni fin ni dirección. Esta no-materialidad de la niebla o del vapor y su movimiento difuso dan un momento de irrealidad, de escape del mundo real y material, una forma de existencia ilusoria. La serie Fossar juega de manera diferente con las ideas de exclusión, inclusión, escape y penetración. En Fossar III actúa una plancha de hierro grabada como separación de un círculo dejando una pequeña galería de escape y a la vez de penetración. La separación juega con la inclusión y exclusión. Dos diferentes matices del verde constituyen dos círculos que suelen entrar o escapar desde/hacia más allá de la separación. 
     
    6. La imagen del mar
    La obra más actual de Anna Comellas se centra en el tema del mar. Este tema une de alguna manera todos los temas antes dichos: el mar une la fortaleza y la suavidad, la transparencia, el movimiento, el escape, la penetración, el tiempo (y todos los tiempos), el espacio (infinito), la estratificación y un valor poético. Hay una pieza la cual considera Anna Comellas especialmente expresiva, Aliatges dels Mars. La imagen digital imprimida sobre tela y papel japonés muestra unos almacenes de pizarra en la costa de Asturias. Anna Comellas ha sacado la foto de ahí y la ha trabajado digitalmente. Las pizarras retoman la idea de las capas diferentes y su materialidad e inmovilidad forma un contraste con el movimiento del mar. La pieza capta con dos colores diferentes los estados agitado y quieto: la parte marrón/beige capta la quietud, una forma de armonía entre mar y peña, mientras que la parte azul subraya mucho más el carácter fuerte, frío y enfrentando del mar. 

    Quizás la cualidad más poética del mar está en la idea de que deja escapar para momentos del espacio y del tiempo. Thomas Mann dice en su Montaña mágica sobre el mar: “¡Cerramos los ojos a su abrigo, por la eternidad! […]. Andamos, andamos. ¿Desde cuándo? ¿Desde cuánto tiempo? ¿Hasta dónde? ¿Qué sabemos? Nada cambia a nuestro paso; ‘allá lejos’ es igual que ‘aquí’, ‘ahora’ es semejante a ‘después’, el tiempo se anega en la monitonía infinita del espacio, el movimiento de un punto al otro ya no es movimiento, no hay tiempo.”

    La cualidad especial del arte de Anna Comellas es la poesía de sus obras, la capacidad de expresar y dejar experimentar este “algo más” dentro del mundo conocido. Esto lo consigue tanto con las combinaciones nuevas de materiales conocidos como con la “exposición” de las identidades especiales de cada medio y material subrayando siempre las particularidades dentro de las combinaciones. A este “algo más” ella se acerca a través de la búsqueda de “lo adentro” en el descubrimiento de los espacios interiores de las materialidades, se acerca a través de “lo abajo”/”lo anterior” de sus superposiciones y se acerca dando una “ventana de escape”. Y con el mar encuentra la eternidad dentro del mundo finito y el escape a un espacio poético. 
     
     
     
    Sophie Witt. Marzo 2006.
     
    7. Apéndice
    Mars (2003)
    Nucli Interior IV (1996)
    Somne Etern I: Lluna (1996)
    Somne Etern II: Mart (1996)
    Somne Etern III: Mercuri (1996)
    Eclipsi (1997)
    Chichen Itza (1997)
    Temps Ciclic (2001)
    Temps Linial (2001)
    Memòria (2004)
    Palimpsesto (2004)
    Pissarra (2004)
    Sediments Polifónics (2004)
    Medicions del Temps (2004)
    Els Camins de Peré (2002)
    Fossar III (1999)
    Aliatges dels Mars (2005)
     
     

     


    [1] Todas las obras citadas están reproducidas en el apéndice. 

    [2] Anna Comellas. Entrevista del 7 de marzo de 2006.

     


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    QUADRATISCHES MEER
     
    Anna Comellas ha puesto un título a esta exposición, tencar el mar, que alude a lo imposible, menciona la utopía y nos recuerda algunos despropósitos del ser humano. Cerrar el mar es similar a poner “puertas al campo” o a vaciar el océano con los cuencos de las manos. No se puede poner límite a lo extenso. La obra de Anna Comellas  hace del límite  una reflexión constante  y lo hace creando recorridos imaginarios, dibujando geografías desconocidas en las que traza mapas, indica caminos, insinúa senderos. Los surcos que se encuentran en toda su obra, indican la dualidad de las dos orillas, las partes confrontadas y necesarias de los márgenes de los ríos,  la armonía de los contrarios son un pretexto para que la autora incorpore la noción de límite. Esa noción se encuentra incluso en la mixtura de materiales diversos que conviven en una misma obra y que pueden ir desde la sutileza del papel japonés  a la dureza maleable del plomo. El dialogo entre los límites se encuentra en la misma constitución de sus obras que están en la frontera-límite entre las dos y las tres dimensiones, entre la pintura y la escultura. Estar “entre” es diferente del simplemente estar.
     
    Las obras de Anna Comellas están sacralizadas  por la geometría del cuadrado, que en ocasiones esta presente en sus formatos y en ocasiones  pasa a ser parte constitutiva de la obra. Esta forma pura se encuentra  aquí en la llamada: No hi ha temps. Una obra única compuesta por cinco partes y en las que en el interior de un cuadrado grabado sobre hierro se percibe el relieve sutil de las olas del mar. Los límites ya mencionados  aparecen frecuentemente en la obra de Anna Comellas, por un lado la presencia rigurosa de la geometría junto a la expresividad sentimental del cuadrado del que se derivan, entre otros, los teoremas geométricos de Tales que son el origen mismo de la capacidad humana por medir y calcular, por establecer los límites de las sombras y la periodicidad de los eclipses que tanto han contribuido al desarrollo de nuestra capacidad de construir la perfección y por otro lado la infinitud no sometida del mar, todo aquello que se escapa entre los dedos, lo que no se deja comprender.
     
     En la cosmogonía occidental el mar se convierte en la sustancia única de la que deriva  todo. Pensadores tan sensatos y que han ayudado al desarrollo de la ciencia constructiva como el mismísimo Tales estaban desconcertados ante la magnitud del fenómeno  y llevado de su fervor marino llegó a asegurar que la tierra flotaba sobre el agua y que los terremotos no eran otra cosa que las oscilaciones del agua que sostiene la tierra.  También en la Ilíada se considera el Océano como el origen de los dioses y de todas las cosas posibles.
     
    La imposibilidad de cerrar el mar es similar al dialogo entre la ciencia propuesta por el filósofo de Mileto y la inmortalidad del alma que tan bien había aprendido de los egipcios, cuando andaba preocupado por medir las pirámides y comparando sus sombras, algo similar a  su capacidad por establecer una “Astrología Naútica” mientras creía que sus pies en la tierra flotaban sobre un mar imaginario.
     
    Las intuiciones expuestas sobre esta exposición quedan definidas en una obra llamada: Desencontres en la que Anna Comellas nos sigue proponiendo un  dialogo descarnado entre términos opuestos, en ella dos plafones se encuentran de un modo imposible, parecen encajar sin conseguirlo y para enfatizar el drama una línea roja sobre pergamino, trazada con la exactitud de la plomada parece a los ojos como discontinua, un diálogo que se deriva de la dialéctica entre aquello que tiene como vocación la inmutabilidad y la azarosa presencia de lo indeterminado: un mar cuadrado.
     
    Jesús Martinez Clarà
    2006